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Steven Gizicki

enero 12, 2017
Por más de 15 años, STEVE GIZICKI (Supervisor de Música) ha supervisado muchas películas en vivo y animadas para Film and Television Projects. Recientemente sirvió como Supervisor del Estudio de Música y único ejecutivo de música en Lucasfilm por cinco años, supervisando proyectos tales como el musical animado “Strange Magic”, y las películas de George Lucas, Red Tiles y Star Wars: Detours. Anterior a ello, Steven tuvo su propia compañía de supervisión independiente por muchos años y también sirvió como Supervisor de Música interno en Disney Animation. Su experiencia incluye períodos como ejecutivo de Soundtrack en PolyGram Records y ejecutivo de Marketing en Virgin Records en donde trabajó de cerca con artistas como David Bowie, Rolling Stones, Sex Pistols y Lenny Kravitz. Steven también trabajó como consultor para iTunes, DJ freelance y periodista de música. Actualmente vive en Los Angeles.




Marius de Vries

enero 12, 2017
Cuatro veces nominado al GRAMMY, MARIUS DE VRIES (Productor Ejecutivo de Música) ha estado involucrado en algunas de las grabaciones y sountracks que más han definido a la cultura en las últimas dos décadas, y ha ganado dos BAFTAS y un premio Ivor Novello por su trabajo en composición cinematográfica.

Marius ha escrito, arreglado y producido para artistas como Madonna, Bjork, Rufus Wainwright, Annie Lennox, David Gray, PJ Harvey y Massiva Attack, entre muchos otros.

Su carrera en música para cine empezó a mediados de los noventas- su colaboración con Nelle Hooper y Craig Armstrong en el soundtrack y banda sonora de la película de Baz Luhrmann, Romeo + Juliet hizo que Marius obtuviera el primero de sus dos BAFTA. Unos cuantos años más tarde, fue director musical de la revolucionaria Moulin Rouge, estelarizada por Nicole Kidman y Ewan McGregor, resultando en otra nominación al GRAMMY, un segundo BAFTA y numerosos otros premios. Marius también compuso la banda sonora del surreal thriller de Stephan Elliot (Priscilla Queen of the Desert), The Eye of the Beholder, y la comedia de época de la era del Jazz, Easy Virtue, en el 2008.



Lo más destacado en producción de álbums significativos cubre un extenso rango de estilos y géneros. En 1998 contribuyó con tres canciones en Ray of Light de Madonna y produjo el primer álbum solo de Neil (Finn) Crowded House), Try Whistling This; el 2033 marcó el estreno del magnum opus de Rufus Wainwright, Want One, seguido el próximo año por Want Two, y Life in Slow Motion de David Gray en el 2005. El año anterior, Marius grabó el epónimo segundo disco de Bebel Gilberto en Rio y Londres. Y en el 2008, produjo el ecléctico segundo álbum del cantante chino Sa Ding Ding para Universal Records, Harmony, grabado en Beijing y mezclado en Londres.

En el 2010, Maruis contribuyó con producción de banda sonora y canciones para la película de Matthew Vaughn, Kick-Ass y la película de acción y fantasía de Zack Snyder, Sucler Punch, así como producir un disco para Robbie Robertson, How to Become Clairvoyant, con los artistas invitados Eric Clapton, Steve Winwood, Tom Morello, Trent Reznor y otros.

Marius sirvió como Director de Música y Compositor en el mágico musical animado de George Lucas, Strange Magic, estrenado a principios del 2015. El 2016 ha visto el estreno de otras colaboraciones con Rufus Wainwright en un álbum de despliegues musicales de nueve sonetos de Shakespeare titulado Take All My Loves; y está trabajando con Chrissie Hynde en un álbum en un proyecto de un álbum de jazz para completarse a fines del 2016.

Benj Pasek & Justin Paul

enero 12, 2017
BENJ PASEK & JUSTIN PAUL (letras) son los compositores nominados al Tony por el aclamado musical de Broadway, “A Christmas Story, The Musical” (Teatro Lunt- Fontanne), que fue nombrado uno de los Top 10 Espectáculos del 2012 por la Revista Time Magazine, compartió reconocimiento como Mejor Musical del 2012 en USA Today, y recibió nominaciones a los Tony, los Drama Desk y los Premios Outer Critics Circle por Nuevo Musical Sobresaliente de Broadway.

Pasek y Paul también son los compositores del musical de off-Broadway “Dogfight” (Teatro Second Stage), el ganador del Premio Lucille Lortel por Mejor Nuevo Musical, nominado al Premio Drama League y al Premio Outer Critics Circle, y seleccionado de una lista corta para el Premio Evening Standard 2014 por Mejor Musical. El espectáculo disfrutó de una producción aclamada por la crítica en el Playhouse Southwark de Londres en el verano del 2014. Otros créditos teatrales incluyen “James and the Giant Peach” (Kennedy Center, Goodspeed Musicals, Teatro Seattle Children) y “Edges” (autorizado por Music Theatre International con cientos de producciones a nivel mundial). En Televisión, sus canciones originales fueron presentadas en la segunda temporada de “SMASH” de NBC y alcanzaron el top 25 en las Listas de iTunes Pop. También han escrito canciones para “Calle Sésamo” (PBS) y “Johnny & the Sprites” (Disney Channel). Pasek y Paul también crearon la canción “Unlimited” para el video viral de Old Navy y la campaña de vuelta a clases.



Sus proyectos actuales incluyen: el musical original para el escenario “Dear Evan Hansen” con el dramaturgo Steven Levenson y el director Michael Greif; “& Greatest Showman on Earth” con Michael Gracey; y canciones originales para la película animada de Warner Bros., Tom and Jerry Return to Oz, un nuevo musical para Diseny Theatricals con el dramaturgo Rick Elice. Otros honores a Pasek & Paul como compositores incluyen: el Premio Richard Rodgers por Teatro Musical de la Academia Americana de Artes y Letras; la Asociación del Instituto Sundance; el Premio New Horizon de ASCAP Richard Rodgers; el Premio Asociación de Compositores de ASCAP; Asociación del Gremio de Dramaturgos; el Premio Jonathan Larson; el Top 5 de Sompositores de Broadway por la Revista Billboard Magazine. Benj y Justin trabajan activamente como maestros conduciendo clases de maestría en los mejores programas de teatro y universidades alrededor del mundo. Ambos son graduados de la Universidad de Michigan y miembros del Gremio de Dramaturgos de América.



Justin Hurwitz

enero 12, 2017
JUSTIN HURWITZ (Compositor) se graduó de la Universidad de Harvard en el 2008, en donde estudió composición de música y orquestación. Compuso las canciones y la banda sonora del debut cinematográfico de Damien Chazelle del 2010, Guy and Madeline on a Park Bench. En el 2014, compuso la banda sonora original para Whiplash, ganando una nominación al GRAMMY. Justin vive en Los Angeles.





Mandy Moore (Coreógrafa)

enero 12, 2017
La cuatro veces nominada al Emmy, MANDY MOORE (Coreógrafa) es una directora, productora, coreógrafa y bailarina mejor conocida por su trabajo revolucionario en el éxito global de televisión “So You Think You Can Dance”.

Sus trabajos más recientes incluyen: “La Celebración del 60 Aniversario de Disney” en ABC; la película de Leslye Headland, Sleeping With Other People; comerciales para Amazon Prime, Target, y Skechers; exitosas series de televisión que incluyen “Modern Family”; y el exitoso programa de Shania Twain, “You’re Still the One”, que dio su última presentación después de una exitosa temporada de dos años en el Ceasar’s Palace en Las Vegas.



La coreografía contemporánea de jazz de Mandy se ha bailado en televisión, en cine, en concierto y en escenarios de teatro a lo largo del mundo. Su larga lista de créditos incluye: las películas nominadas al Premio de la Academia de David O. Russell, American Hustle y Silver Linings Playbook; las exitosas series de FOX “Glee” y “American Idol”; Did You Hear About the Morgans? Con Hugh Grant; “The Fresh Beat Band” de Nickelodeon; el innovador programa de la Compañía de Ballet de Los Angeles, New Wave L.A.; el tour de conciertos de Celine Dion, “Taking Chances”; “Strictly Come Dancing” de Gran Bretaña: y “My Immportal” del Cirque du Soleil, entre muchos otros.

Actualmente es productora de “Dancing with the Stars” de ABC. En el escenario, Mandy dirigió y doreografío una producción en escenario amada por las audiencias de “The Wedding Singer” y llevó “Nobody Loves You” a Off-Broadway y al Teatro Second Stage en Nueva York después de coreografiar la premiere mundial del espectáculo en el Teatro Old Globe de San Diego. Su próximo trabajo incluye un proyecto con David O. Russell que pronto será revelado.

VIDEO DE MANDY MOORE EXPLICANDO LA COREOGRAFÍA DE ANOTHER DAY OF SUN




Mary Zophres

enero 12, 2017
MARY ZOPHRES (Diseñadora de Vestuario) más recientemente diseñó para Hail, Caesar!, la cual marca su treceava colaboración con los Hermanos Coen, siguiendo a Inside Llewyn Davis; Fargo; The Big Lebowski; o Brother, Where Art Thou?; The Man Who Wasn’t There; Intolerable Cruelty; The Ladykillers; No Country for Old Men; Burn After Reading; A Serious Man; y True Grit. Anteriormente, fue asistente diseñadora de vestuario para los Coens en The Hudsucker Proxy.

Ha sido la diseñadora de vestuario de varias películas para Steven Spielberg, incluyendo The Terminal; Catch Me If You Can, por la que obtuvo una nominación al Premio BAFTA por Mejor Diseño de Vestuario; e Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull.

Las otras películas de Zophres incluyen People Like Us; las tres películas de los Hermanos Farrelly, (Dumb and Dumber, Kingpin y There’s somtehing About Mary); Digging to China de Timothy Hutton; Any Given Sunday de Oliver Stone; Ghost World de Terry Zwigoff; Moonlight Mile de Brad Silberling; View from the Top, de Bruno Barreto; Bewitched de Nora Ephron; Smokin’s Aces de Joe carnahan; y Lions for Lambs de Robert Redford.

Obtuvo una licenciatura en historia del arte y estudio del arte de la Universidad Vassar antes de empezar su Carrera professional trabajando en la industria de la moda para Norma Kamali y Esprit. Empezó a trabajar en la industria del cine como la supervisora del vestuario de los extras en la película de Oliver Stone, Born on the Fourth of July. Zophres diseñó los vestuarios para dos películas dirigidas por Jon Favreau, Iron Man 2 y Cowboys and Aliens. Otros créditos recientes incluyen Interstellar y Gangster Squad.



Callie Hernandez

enero 12, 2017
CALLIE HERNANDEZ fue elegida personalmente por Ridley Scott para un papel estelar en Alien: Covenant, que recientemente terminó de rodarse. Este año aparecerá en la muy anticipada cinta de Adam Wingard, Blar Witch en cines el 16 de septiembre. Otros créditos de Callie incluyen: la próxima película de Terrence Malik, Weightless con Christian Bale, Natalie Portman y Cate Blanchett; la próxima serie de Epix, “Graves” con Nick Nolte; y “From Dusk Till Dawn” de Robert Rodriguez.





Fred Berger

enero 12, 2017
FRED BERGER (Productor) tiene el altamente anticipado debut en inglés de André Ovredal (Troll Hunter), The Autopsy of Jane Doe, estelarizado por Emile Hirsch y Brian Cox, que se estrenará este otoño. La película, basada en el guion de la Lista Negra, hará su debut mundial en la Locura de Medianoche de Toronto antes de Fantastic Fest, Sitges, Beyond y una presentación Gala en el Festival de Cine de Londres.

Berger recientemente se asoció con el prolífico productor Brian Kavanaugh-Jones (Midnight Special, Loving) bajo su compañía Automatik. Berger y Kavanaugh-Jones unieron fuerzas después de producir juntos la galardonada película de ciencia ficción del cineasta Lennart Ruff, The Titan, estelarizada por Sam Worthington, Taylor Schilling y Tom Wilkinson ese mismo año.

A continuación para Berger está la película de Chris Weitz, Finale- que sigue la cacería de Adolph Eichmann por parte de la Mossad- para MGM; el thriller de Rowan Athale, (Wasteland), Strange but true con Amy Ryan, Greg Kinnear, Nick Robinson e Imogen Poots; y un musical pop escrito y por ser dirigido por Max Minghella.



Berger empezó su carrera trabajando con Sofia Coppola en su galardonada Lost in Translation y Marie Antoinette y pronto se unió al productor dos veces nominado a los Premios de la Academia, Ross Katz.

Berger produjo el debut directorial de Katz, Taking Chance para HBO Films, estelarizado por Kevin Bacon. La película se estrenó en el Festival de Cine Sundance, ganó un Globo de Oro, un Emmy, un Screen Actors Guild, un Writers Guild of America y un Directors Guild of America, y es una de las películas más vistas de HBO Films en la historia. El Secretario de Defensa Robert Gates acredita la película por influenciar su decisión de permitir a los medios acceder a la transferencia de miembros de servicio caídos en la Base Dover de la Fuerza Aérea.

Berger también produjo la aclamada película del cineasta indio, Dev Benegal, Road, Movie que fue desarrollada en el Atelier de Cannes y se estrenó para ser recibida con grandes críticas en Toronto, Berlín, Tokyo y Doha y fue estrenada mundialmente.

Berger ha escrito guiones para varias compañías de producción de alto perfil y es un miembro del Gremio de Escritores de América.

Marc Platt

enero 12, 2017
MARC PLATT (Productor) se encuentra entre los pocos productores que han creado un puente exitosamente entre el cine, el teatro y la televisión. Sus proyectos han obtenido, combinados, 17 nominaciones a los Premios de la Academia, 18 nominaciones a los Tony, 17 nominaciones a los Globos de Oro y 29 nominaciones a los Emmy.

Entre las películas del Sr. Platt se encuentran: la aclamada por la crítica Bridge of Spies dirigida por Steven Spielberg, estelarizada por Tom Hanks, que recibió seis nominaciones a los Premios de la Academia incluyendo Mejor Película; el reciente éxito internacional Into The Woods con Meryl Streep y Johnny Depp, dirigida por Rob Marhsall; Drive, estelarizada por Ryan Gosling, que obtuvo el Premio a Mejor Director en el Festival Internacional de Cine de Cannes, 2011; Ricki and the Flash estelarizada por Meryl Streep, dirigida por el director ganador del Premio de la Academia, Jonathan Demme; y el aplastante éxito Legally Blonde y su secuela, estelarizada por Reese Witherspoon; Scott Pilgrim vs. The World, dirigida por Edgar Wright; la favorita de los críticos Rachel Getting Married, dirigida por Jonathan Demme y estelarizada por Anne Hathaway; el éxito de verano del 2008, Wanted estelarizada por Angelina Jolie, James McAvoy, y Morgan Freeman; el debut como director/escritor de Ryan Golsing, Lost River, con Christina Hendricks; el musical Nine, dirigido por Rob Marshall, con Daniel Day-Lewis, Judi Dench, Nicole Kidman, Marion Cotillard, Penelope Cruz, Sophia Loren, Kate Hudson y Fergie; 2 Guns con Denzel Washington y Mark Wahlberg; Cop Out estelarizada por Bruce Willis y Tracy Morgan; Winter’s Tale estelarizada por Colin Farrell y Russell Crowe; Charlie St. Cloud con Zac Efron; Song One con Anne Hathaway; The Other Woman estelarizada por Natalie Portman; Honey; Jose and the Pussycats; y The Perfect Man. Las próximas películas del Sr. Platt incluyen: The Girl on the Train basada en la novela best-seller, dirigida por Tate Taylor, estelarizada por Emily Blunt; Billy Lynn’s Long Halftime Walk dirigida por el dos veces ganador del Premio de la Academia, Ang Lee; y Mary Poppins Returns estelarizada por Emily Blunt y Lin-Manuel Miranda, dirigida por Rob Marshall.



En el teatro, Marc Platt es el productor del éxito de Broadway, “Wicked”, que el New York Times acaba de llamar “el musical que define una década-2. “Wicked” celebró recientemente su presentación número 50000 en Broadway y siete compañías están ahora presentándolo incluyendo Broadway, Londres, Brasil, Japón y Norte América y un tour internacional. En los años recientes “Wicked” también ha tenido producciones en Alemania, Holanda, Australia, Corea y Ciudad de México. El Sr. Platt también es productor del musical reciente de Broadway, “If/Then” estelarizado por Idina Menzel. Además, produjo el debut de Broadway de “Three Days of Rain”, actuado por Julia Roberts, Paul Rudd y Bradley Cooper; el ballet de Matthew Bourne, “Edward Scissorhands” por el cual ganó su segundo Premio Drama Desk; y el revival de “Pal Joey” estelarizada por Stockard Channing.

En televisión, el Sr. Platt fue productor ejecutivo del éxito “Grease Live!” por el que ganó diez nominaciones a los Premios Emmy (FOX). También ganó un Premio Globo de Oro por Mejor Miniserie por “Empire Falls” (HBO) estelarizado por Paul Newman, Joanne Woodward, Ed Harris, Helen Hunt y Philip Seymour Hoffman. Sus otras producciones para televisión incluyen “Once Upon A Mattress” con Carol Burnett y Tracey Ullman (ABC); la miniserie ganadora del Premio Emmy “The Path To 9/11” (ABC); y la exitosa serie de MTV “Taking the Stage”.

Antes de establecer su compañía de producción, Marc Platt sirvió como presidente de producción para tres estudios de películas (Orion, TriStar y Universal). El Sr. Platt es un miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, la Academia de Artes y Ciencias de Televisión y la Liga Broadway.

Damien Chazelle

enero 12, 2017
El cineaste DAMIEN CHAZELLE (Director, guionista) más recientemente escribió y dirigió la película ganadora del Premio de la Academia, Whiplash. Estrenada en el 2014 por Sony Pictures Classics, Whiplash recibió cinco nominaciones a los Premios de la Academia, incluyendo Mejor Película y Mejor Guion Adaptado por Chazelle, y tres victorias, incluyendo Mejor Actor de Reparto para J.K. Simons. Su cortometraje del 2013, basado en el guion de Whiplash, ganó el Premio del Jurado a Mejor Corto en el Sundance, y el siguiente año la película se llevó los Premios del Jurado y de la Audiencia del festival.



Previamente, Chazelle escribió la película de Grand Piano de Magnolia Pictures, con Elijah Wood y John Cusack y co-escribió el exitoso thriller de Paramount, 10 Cloverfield Lane, con John Goodman. Sus guiones para Whiplash y The Claim aparecieron en la Lista Negra.

Chazelle hizo su primera película Guy and Madeline on a Park Bench, como estudiante en la Universidad Harvard. El aclamado musical fue nombrado “Mejor Primera Película del 2010” por L.A. Weekly y “fácilmente la mejor película en éones” por el Time Out New York.


Jessica Rothe

enero 12, 2017
Nacida y criada en Denver, Colorado, JESSICA ROTHE creció estudiando teatro y baile. Después fue a la Universidad de Boston en donde obtuvo una licenciatura en Arte en Actuación. Poco después de graduarse, Rothe se dirigió a Nueva York en donde se unió al Teatro Roundabout. Anterior a esto, había estado involucrada en otras producciones de teatro como “The Cherry Orchand” (Teatro Huntington) y “Hair” de Kevin Moriarty (Teatro Hangar). Jessica transicionó rápidamente a la televisión con apariciones en “Happy Endings”, la serie nomiada al Emmy de CBS, “Blue Bloods” y el éxito de CW, “Gossip Girl”.

El 5 de septiembre, Rothe actuó junto a Scout Durwood en la comedia de MTV, “Mary+Jane”. Dirigida por los creadores de Can’t Hardly Wait, Deborah Kaplan y Harry Elfont, la serie sigue a dos mejores amigas que tienen una aplicación para un servicio de entrega de marihuana de puras mujeres en Los Angeles.



Podemos verla próximamente en la película de Gabriel Muccino (Seven Pounds, Pursuit of Happiness) Summertime que se estrenó en el Festival de Cine de Venecia del 2016. Rothe también tiene un papel de reparto junto a Michael Shannon en la película de Bart Freundlich, Wolves que se estrenó en el Festival de Cine Tribeca 2016 esta primavera pasada. Rothe está actualmente en producción como el personaje central junto a Alex Roe (The 5th Wave, Rings) de la película romántica Forever My Girl. Los productores son Mickey Liddell y LD Entertainement.

Rothe recientemente se unió al elenco de The Disaster Artist dirigida por James Franco y Please Stand by Me con Dakota Fanning y Toni Collette. En el 2015, Jessica actuó como ‘Lily’ junto a Hannah Murray en la comedia independiente Lily & Kat, y en The Preppie Connection de OFC. Rothe también apareció en la popular serie web “High Maintenance” que fue vendida recientemente a HBO.

Sonoya Mizuno

enero 12, 2017
Nacida en Tokyo, pero criada en Somerset, Inglaterra, SONOYA MIZUNO hizo su debut en cine el año pasado en la galardonada película nominada a los Premios de la Academia, ExMachina, dirigida por Alex Garland y estelarizada por Domhnall Gleeson, Oscar Isaac y Alicia Vikander. Para su interpretación de ‘Kyoto’, Oliver Lyllelton del Playlist/Indiewire nombró a Sonoya una de las 20 actrices que deben ser vistas en el 2015. En ese año de revisión, él llamó a la secuencia de baile con Oscar Isaac uno “de los Mejores Momentos Musicales del 2015”, mientras que Vanity Fair dijo que era “uno de los logros cinemáticos más grandes del año”. Adicionalmente, Elle US la ha elegido como una de las “5 Actrices preparada para Gobernar Hollywood” en su número de Noviembre.

El año siguiente, Sonoya será vista en la película de Robert Shaye, Gifted y en la nueva película de Alex Garland, Annihilation, junto a Natalie Portman, Jennifer Jason Leigh y Oscar Isaac.

Antes de trabajar en cine, Sonoya, que es una graduada de la escuela Royal Ballet, trabajó para varias compañías de ballet incluyendo: Semperoper Ballet en Dreden; Ballet Ireland; el Teatro New English Ballet; y Ballet Scottish. También ha trabajado como modelo para Chanel, Alexander McQueen, Saint Laurent y Louis Vuitton.




Finn Wittrock

enero 12, 2017
FINN WITTROCK es un actor entrenado en Julliard quien ya cuenta con un extenso curriculum en cine, televisión y teatro. Wittrock asistió a la Preparatoria County de Los Angeles de Artes, seguido de Julliard y actualmente es miembro del Grupo de Teatro The Mechanicals en Los Angeles, en donde también ha dirigido.

Este noviembre actuará como ‘Cassio’ en “Othello” de William Shakespeare, junto a Rachel Brosnahan, Daniel Craig y David Oyelowo. La producción del Taller del Teatro de Nueva York será dirigida por Sam Gold. En febrero del 2017, Wittrock actuará en Broadway, como ‘The Gentleman Caller’ en la obra “The Glass Menagerie” con Sally Field y Joe Mantello, también dirigida por Sam Gold.

Wittrock recientemente terminó producción en varias películas incluyendo Landline, una comedia sobre una mujer en sus 20s que vive con su familia en Manhattan durante los 1990s y descubre que su padre está teniendo un romance, en donde actúa junto a Jenny Slate y John Tururro. También recientemente terminó la producción de A+ sobre una joven mujer cuyo antiguo novio regresa a su vida, en donde actúa junto a Rachel Keller; A Midsummer Night’s Dream, actuando junto a Rachel Leigh Cook; y la biografía de Netflix, A Futile & Stupid Gesture, sobre el éxito de National Lamoon en los 1970s y los 80s y el nuevo imperio mediático que creó. A Futile & Stupid Gesture se estrenará en Netflix en el 2017. El otoño pasado, Wittrock actuó en el drama de Adam McKay nominado al Premio de la Academia, The Big Short, junto a John Magaro, Christian Bale, Steve Carell y Brad Pitt. El elenco recibió nominaciones del Screen Actors Guild y la Asociación de Críticos de Transmisión de Cine por Mejor Conjunto.



En el 2014, Wittrock apareció en el drama real de la Segunda Guerra Mundial ganador del Premio AFI de Universal Pictures, Unbroken, dirigido por Angelina Jolie y basado en la historia verdadera de Louis Zamperini. Wittrock interpretó al personaje de ‘Francis “Mac” McNamara’, que queda varado en el mar en un bote salvavidas por 47 días.

Sus créditos adicionales en cine incluyen: The Submarine Kid el cual escribió con su amigo de siempre, Eric Bilitch, quien también dirigió la película; My All American, escrito y dirigido por Angelo Pizzo (Hoosiers and Rudy) y también actuado por Aaron Eckhart; Noah dirigido por Darren Aronofsky; Winter’s Tale, escrito y dirigido por Akiva Goldsman; y Twelve, dirigido por Joel Schumacher.

El trabajo en televisión de Wittrock incluyen las temporadas 5 y 4 de la aclamada serie nominada al Emmy de Ryan Murphy y FX, “American Horror Story”. En “American Horror Story (Hotel)” interpretó a los personajes Tristan Duffy y Rudolph Valentino junto a Lady Gaga; en “American Horror Story (Freak Show)” interpretó a Dandy Mott y recibió una nominación al Emmy por su actuación. En el 2014 Wittrock actuó en la aclamada película nominada al Emmy de HBO, The Normal Heart, dirigida por Ryan Murphy y basada en la obra ganadora del Premio Pulitzer del mismo nombre escrita por Larry Kramer. The Normal Heart cuenta la historia de un activista gay que trata de generar consciencia sobre el VIH/SIDA durante el comienzo de la crisis en la Ciudad de Nueva York en los años 1980s. La película recibió un total de 16 nominaciones al Emmy incluyendo Película Sobresaliente para Televisión.

Sus otros créditos para la televisión incluyen: su papel como ‘Damon’ en la serie de ABC “All My Children”, apariciones como invitado en “Criminal Minds”; “Law & Order: SVU”; “Harry’s Law”; “CSI: Miami”; “Cold Case”; “ER”; y el papel recurrente de Dale en el aclamado drama de Showtime, “Masters of Sex”.

Después de graduarse de Julliard, Wittrock empezó su carrera en el escenario interpretando a ‘Romeo’ en “Romeo Y Julieta” en el Teatro de la Compañía Shakespeare en Washington D.C. y ‘Marchbanks’ en “Candida” de Shaw en el Festival de Teatro Berkshire cerca de su pueblo natal Lennox, Massachusetts.

Wittrock hizo su debut en Broadway como ‘Happy Loman’ junto a Philip Seymour Hoffman y Andrew Garfiel en el revival de Mike Nichols del 2012 de la obra de Arthur Miller “Death of a Salesman”, que ganó Un Premio Tony y un Drama Desk por Mejor Revival y Mejor Director de ese año, respectivamente. Ganó un Premio Theatre World y un Premio Clarence Derwent por su actuación.

Siguió ese éxito con las apariciones en el Teatro Goodman de Chicago junto a Diane Lane en la alcamada “Sweet Bird of Youth” de Tennessee Williams, dirigida por David Cromer y “The Guardsman” dirigida por Gregory Mosher en el Kennedy Center. En Off- Broadway, Wittrock actuó en la obra de Tony Kushner en el Teatro Signature y “Age of Iron” en el Classic Stage Co.

Otros créditos en teatro regional incluyen: “The Blue Deep” en el Festival de Teatro Williamstown; “The Laramie Project” con el Grupo de Teatro The Mechanicals; y las producciones de “The Matchmaker y “A Midsummer Night’s Dream” en la Compañía de Teatro A Noise Within. Wittrock actualmente reside en Los Angeles.

Rosemarie DeWitt

enero 11, 2017
Después de una serie de aclamados papeles en el cine, la televisión y el teatro, la gracia, el estilo y el encanto de ROSEMARIE DEWITT están en el corazón de varios proyectos muy anticipados en los que colabora con algunos de los talentos más honrados de la industria. DeWitt fue recientemente elegida en el elenco del próximo thriller, Sweet Virginia. Jamie Dagg dirigirá y Jon Bernthal, Christopher Abbott, Imogen Poots y Odoessa Young también actuarán.

Recientemente actuó en el piloto de Amazon “The Last Tycoon” basada en la novela sin terminar del mismo nombre de F. Scott Fitzgerald. El piloto también presenta a Matt Bomer, Lily Collings y Kelsey Grammer, y recientemente fue financiado para su primera temporada en la que también actuará DeWitt.

Más recientemente, DeWitt actuó junto a Sam Rockwell en el remake del clásico de terror dirigido por Gil Kenan, Poltergeist, que fue estrenado el 22 de mayo del 2015. También actuó junto a Orlando Bloom, Jake Johnson y Anna Kendrick en Digging for Fire de Joe Swanberg, que debutó en el Festival de Cine de Sundance del 2015.



En el 2014, DeWitt apareció en la película de Jason Reitman, Men, Women and Children para Paramount Pictures, actuando junto a Adam Sandler, Emma Thompson y Jennifer Garner. La película echa una mirada a las frustraciones diarias en la actualidad que enfrentan los jóvenes adultos y adolescentes en el mudo de hoy atiborrado de redes sociales y tecnología. También recientemente apareció en la película de Focus Features, Kill the Messenger junto a Jeremy Renner. Michael Cuesta dirigió esta película basada en acontecimientos reales sobre el periodista Gary Webb, que se vuelve blanco de una maligna campaña de difamación que lo lleva hasta el punto del suicidio después de que expone el papel de la CIA al armar a los rebeldes Contra en Nicaragua, e importar cocaína a California.

Junto a los grandes proyectos para la pantalla grande de este año, DeWitt también participó en la serie de drama de HBO “Olive Kitteridge” junto a Frances McDormand, Bill Murray y Richard Jenkins.

En el 2012, DeWitt actuó en Touchy Feely, en donde se volvió a unir a la directora Lynn Shelton, interpretando a una terapeuta en masajes que desarrolla una aversión por el contacto corporal. La película se estrenó en el Festival de Cine de Sundance 2012. Anterior a eso, DeWitt fue vista en el drama de Gus Van Sant, Promised land, junto a Matt Damon y John Krasinski. En el 2011, DeWitt actuó junto a Emily Blunt y Mark Duplass en la película de Lynn Shelton, Your Sister’s Sister. El papel hizo que DeWitt obtuviera una nominación a los Premios Indie Spirit del 2013 por Mejor Actriz de Reparto y el Premio Gotham 2012 por Mejor Conjunto.

DeWitt actuó en el papel principal en Rachel Getting Married por el que recibió premios como Mejor Actriz de Reparto de parte de las Asociaciones de Críticos de Cine de Toronto, Washington D.C. y Vancouver. La película también hizo que obtuviera una nominación como Mejor Actriz de Reparto en los Premios Independent Spirit y por Actor Revelación en los Premios Gotham. El drama, dirigido por Jonathan Demme y escrito por Jenny Lumet, es estelarizado también por Anne Hathaway, Debra Winger y Bill Irwin.

Sus créditos cinematográficos adicionales incluyen: Nobody Walks junto a John Krasinski y Olivia Thirlby; The Company Men junto a Ben Affleck, Kevin Costner y Tommy Lee Jones; y Cinderella Man con Russell Crowe y Paul Giamatti.

DeWitt fue vista en la panatalla chica en la tercera temporada de la serie de comedia de Showtime, “The United States of Tara” junto a Toni Collette. DeWitt interpretó a la hermana de Tara quien, junto con el esposo de Tara (interpretado por John Corbett), debe lidiar con la variedad de identidades de Tara que abarcan en edad, temperamento e incluso género. Además de su papel en “The United States of Tara”, DeWitt también fue recurrente en la aclamada serie de AMC “Mad Men”, interpretando a la bohemia amante de Don Draper (John Ham) en la primera temporada de la serie.

Además de sus papeles en televisión y cine, DeWitt ha mantenido una fuerte conexión con el teatro, habiendo actuado como ‘Masha’ en la obra de Chevov “Three Sisters” (Williamstown) así como en el revival de la obra de John Patrick Shanley, “Danny and the Deep Blue Sea” (2o Escenario). También actuó en la obra de off-Broadway “Family Wreck” (Teatro MMC), escrita por Beth Henley y dirigida por Jonathan Demme, y originó el papel de ‘Fanny’ en la obra de Craig Lucas, “Small Tragedy” (Playwright’s Horizon), por la que el elenco ganó un Premio Obie.

DeWitt es una graduada de la Universidad Hofstra con una licenciatura en Estudios Creativos, y también estudió en el Centro de Actores de Nueva York.

John Legend

enero 11, 2017
Nacido en Ohio, JOHN LEGEND es un aclamado y galardonado cantautor de disco platino. Su trabajo ha obtenido diez premios GRAMMY, un Premio de la Academia, un Premio Globos de Oro, un Premio BET a Mejor Artista Nuevo y un Premio especial Starlight del Salón de la Fama para escritores de canciones, entre otros. Un graduado de la Universidad de Pennsylvania en donde estudió literatura inglesa y afroamericana, Legend participó en un amplio rango de actividades musicales cuando estaba estudiando. Durante ese mismo periodo, Legend fue presentado a Lauryn Hill, quien lo contrató para tocar piano en su canción “Everything is Everything”. Poco después empezó a tocar en conciertos alrededor del área de Philadelphia, eventualmente expandiendo sus audiencias a Nueva York, Boston, Atlanta y Washington D.C. Después de la Universidad, Legend fue presentado al entonces artista novato de hip-hop, Kanye West, quien rápidamente enlistó a Legend en su disquera G.O.O.D. Music y lo contrató para cantar con él.

John Legend empezó a ganar ímpetu a través de una serie de colaboraciones similares con artistas consumados, agregando vocales a una impresionante lista de éxitos incluyendo “All of the Lights” de West, “Encore” de Jay-Z, y vocales de apoyo en la canción del 2003 de Alicia Keys, “You Don’t Know My Name”. El álbum debut de Legend, Get Lifted, fue estrenado en diciembre del 2004 por Columbia Records. El álbum aclamado por la crítica introdujo el primer single exitoso del artista, “Ordinary People” y logró que Legend ganara múltiples Premios GRAMMY en el 2006, incluyendo Mejor Álbum R&B, Mejor Artista Nuevo y Mejor Vocal Masculina R&B. El siguiente fue un vendedor platinum en el 2006, Once Again, que hizo que Legend ganara otro GRAMMY, Mejor Artista Masculino R&B, por su single “Heaven” e incluía colaboraciones con Kanye West, will.i.am Raphael Saadiq. El próximo álbum de Legend fue Evolver en el 2008, con el exitoso single, “Green Light” junto con Andre 3000. Su colaboración en el 2010 con los Roots en Wake Up, hizo que ganara un GRAMMY por mejor Álbum R&B más tarde ese mismo año. El aclamado y más actual cuarto álbum, Love in the Future, presenta “All of Me”, la canción más vendida de Legend hasta la fecha, logrando llegar al #1 de la Lista de los 100 más Calientes de Billboard y el #1 en las listas de los Top 40 de Mainstream y Rhythmic. Más recientemente, Legend ganó su primer Premio de la Academia, primer Globo de Oro, un GRAMMY y el Premio Critic’s Choice por su canción “Glory” que escribió y presentó con Common para la película Selma.



A lo largo de su carrera, John Legend ha trabajado para hacer una diferencia en la vida de los demás. En el 2007, lanzó la Campaña Show Me (ShowMeCampaign.org), una iniciativa que se centra en la educación como clave para romper el ciclo de pobreza. El Premio BET del 2010 a Humanitario del Año, el Premio Humanitario CARE del 2009 por Cambio Global, el Distinguido Premio de Servicio Humanitario Bishop John T. Walker del 2009 de Africare y el Premio al Artista del Año de la Fundación Harvard en el 2001 reconocen los esfuerzos y liderazgo de Legend en esta arena. John se sienta en los consejos de The Education Equality Project, Teach for America, Stand for Children y las Academias del Harlem Village así como en el Consejo de Liderazgo Nacional de las Academias del Harlem Village. Adicionalmente, Legend apoya a LRNG, un movimiento dedicado a inspirar la innovación en el proceso de aprendizaje a uno que refleje mejor el mundo en el que vivimos ahora. En el 2015 Legend inició la campaña #freeAmerica; una campaña diseñada para cambiar la conversación nacional de las políticas desviadas del país y lograr un cambio en el sistema de justicia criminal en Estados Unidos.

John Legend también sirve como uno de los encargados de Get Lifted Film Co., una compañía de producción de cine y televisión con sede en Los Angeles. Get Lifted Film ha vendido varios proyectos en televisión a cadenas incluyendo Showtime, NBC, HBO, USA, MTV, OWN y FOX. Además de estas ventas, Get Lifted Film Co. Estuvo previamente en un trato para televisión con Comcast/Universal y actualmente se encuentra en un trato con Legendary Television. Get Lifted Film Co. Sirve como Productores Ejecutivos en el documental de HBO “Ritos Sureños”, la serie documental de Pop Network, “Sing it On” y “Underground” que se estrenaron en WGN el 9 de marzo del 2016. Adicionalmente, Get Lifted Film Co. Tiene varios proyectos en muchas etapas de desarrollo/producción incluyendo The Black Count (Ganadora del Premio Pulitzer 2014) por ser escrita y dirigida por Cary Fukunaga (“True Detective”) para Sony Pictures, y un proyecto próximo con el productor Will Packer y Universal Pictures.

Emma Stone

enero 11, 2017
Con su asombrosa belleza y talento sincero, la actriz nominada al Premio de la Academia, EMMA STONE ha reclamado su papel como una de las actrices más buscadas en Hollywood.

Stone apareció en la aclamada por la crítica de Fox Searchlight, Birdman, que ganó el premio por Actuación Sobresaliente de un Elenco en una Película en los Premios Screen Actors Guils, Mejor Película en los Premios Independent Spirit y Mejor Película en los Premios de la Academia. Deadline encontró a Stone “luminosa” y Rolling Stone dijo “la nunca antes mejor Emma Stone es cruda y reveladora”. Su actuación le valió una nominación al Premio de la Academia como Mejor Actriz de Reparto así como nominaciones a los Globos de Oro, Screen Actors Guild e Independent Spirit.

Recientemente terminó producción de Battle of the Sexes, en la que Stone interpretará a Billi Jean King junto a Steve Carell como Bobby Riggs. Dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris, la película contará la historia del encuentro entre el antiguo jugador de tennis Riggs contra King en un partido cuya exhibición fue altamente publicitada. Battle of the Sexes se estrenará en el 2017.



Los créditos adicionales de Stone incluyen: Irrational Man, de Woody Allen; Aloha de Cameron Crowe, Magic in the Moonlight de Woody Allen; la franquicia de superhéroes The Amazing Spiderman, en la que actuó en las primeras dos películas; la película animada nominada al Premio de la Academia, The Croods para Dreamworks Animation; el drama de época, Gansgter Squad; Easy A, por la que ganó una nominación a los Globos de Oro y un Premio MTV Movie por Mejor Actuación Cómica; el galardonado drama The Help; la comedia romántica Crazy, Stupid, Love; Friends with Benefits de Screen Gem, el drama independiente Paperman; la comedia animada de Twentieth Century Fox, Marmaduke; la exitosa comedia de Columbia Pictures, Zombieland; la comedia romántica de Warner Brothers, Ghosts of Girlfriends Past; la exitosa comedia de Columbia Pictures/Happy Madison, The House Bunny; The Rocker, de Twentieth Century Fox; y la comedia de Judd Apatow, Superbad.

Stone recientemente completó su temporada en Broadway interpretando a la icónica ‘Sally Bowles’ en la producción de Rob Marshall de Cabaret. El New York Times dijo, “Emma Stone es deslumbrante en un irresistible debut de Broadway. Su Sally es salvaje, feroz y desgarradora- alguien a quien no podrás olvidar. Ella provee una muy buena razón para volver a ver Cabaret”.

Cuando no está filmando, Stone es defensora de Stand Up To Cancer (SU2C), una revolucionaria iniciativa creada para acelerar la investigación innovadora del cáncer que llevará nuevas terapias a los pacientes de manera rápida y salvará vidas ahora. Laura Ziskin, la productora difunta de The Amazing Spiderman, empezó la organización e hizo que Stone se involucrara. Además de SU2C, Stone también es embajadora del Club de Gilda de la Ciudad de Nueva York. Nombrado por la difunta comediante y parte del elenco original de SNL, Gilda Radner, el Club de Gilda ofrece un lugar para que personas lidiando con cáncer puedan unirse en apoyo emocional. Stone se ha convertido en un miembro activo de la comunidad del Club de Gilda y continúa haciéndolo comprometiéndose con sus departamentos más jóvenes para niños y adolescentes.

Nativa de Arizona, Emma actualmente vive en Los Angeles.



La La Land: Colores Giratorios - Los Vestuarios de Mary Zophres

enero 11, 2017
Para la diseñadora de vestuario nominada al Oscar, Mary Zophres- cuyo trabajo abarca desde un panorama vaquero en No Country For Old Men hasta la exploración espacial de Interstellar- La La Land presentó la promesa de una inmersión total que es lo que más la inspira. Ella coordinó de cerca con Linus Sandgren y los Wasco para crear un mundo amalgamado en el que los vestuarios armonicen con el diseño.

Al principio, Zophres tuvo que hacerse la idea del inmenso alcance de los vestuarios de la película. “Solamente Mia y Sebastian tienen más de cincuenta cambios cada uno. Eso es mucho” objeta Zophres. “Pero estaba tan motivada por la visión de Damien que me dio escalofríos- y eso te da la habilidad de seguir aunque no hayas dormido nada y estés agotada”.

Ella y Chazelle se concentraron intensamente en el color como vehículo de la emoción. Empezamos el primer día repasando la película escena por escena hablando de las paletas” describe. “Hablamos de cómo algunas escenas podían ser neutrales con un acento amarillo y otras tal vez tener a los hombres vestidos de colores obscuros y a las mujeres de colores. Atemporalidad con una cualidad contemporánea es lo que siempre estábamos buscando”.

Buscaron de cerca en sus predecesores como The Umbrellas of Cherbourg hasta Bandwagon y Swingtime. Pero Zophres dice que su proceso era lo opuesto a la imitación. En lugar de eso, las formas y paletas estaban más inspiradas en sumergirse en los mundos habitados por Sebastian y Mia.

“Todo fue muy intuitivo” dice Zophres. “Hay un fuerte uso del color a lo largo de la película, como en los musicales clásicos, pero también se trataba de lo que encontráramos más placentero para estos personajes. Por ejemplo, he visto a Emma en un vestido amarillo canario en la alfombra roja. No hay muchas personas que puedan usar ese color, pero ella se veía impactante. Así que le propuse a Damien: ¿por qué no usamos un vestido amarillo para ‘Dueto’?”



Zophres encontró que Stone era una musa perfecta para sus diseños. “Es un encanto vestir a Emma. Hay muchos momentos en los que suspiras ‘a-ha’ en muchas ocasiones en el cuarto de vestuario con ella porque es un lienzo increíble” dice la diseñadora de vestuario. “La idea para Mia es que empieza con muchos colores vibrantes, así que hay algo de niña en ella. Después conforme se vuelve más madura y concentrada en su trabajo, el color empieza a volverse un poco menos saturado, al punto en el que en su monólogo está vestida de blanco y negro. Después la vemos cinco años después, y es la misma niña- pero mucho más sofisticada”.

Muchos de los atuendos de Mia tienen una atracción vintage, para estar a la par con el tono de la película. “Su blusa de barista está basada en una hermosa toma de Ingrid Bergman de los 1940’s” nota Zophres. “También hay un test para la pantalla que hizo Bergman hace mucho en el que está vistiendo un vestido halter rosa. Mia usa algo similar que encontramos en una tienda vintage en el Valle de San Fernando. Es el tipo de vestido que pudiste haber usado hace 50 años pero que igualmente lo puedes usar hoy”.

Para Sebastian, de Ryan Gosling, Zophres enfatizó lo elegante, con un poco de lo poco convencional. Casi toda su ropa fue hecha a la medida. “Su look no es necesariamente moderno, pero tampoco es necesariamente algo que ves vestir a la mayoría de los hombres que pasan caminando por la calle. Es un look que sientes que él ha desarrollado y conservado. Es un tipo al que no ves vistiendo una camisa. En vez de eso, tiene un tipo de silueta delgada muy específica que habla de un respeto por la tradición y la formalidad” explica.

La tonalidad es igualmente una clave del look de Sebastian, desde su traje café sable en la escena de apertura a su saco deportivo azul y todos los trajes negros que usa en el tour con los Messengers. También calza zapatos de dos tonos, un toque que Zophres adora. “Esos eran populares en los 40s, pero parecía transmitir un sentido de rareza y ligereza y amor a la vida. Esos zapatos son tan alegres para mí, y se volvieron como una cualidad de Sebastian porque él tiene una pasión por el pasado que trae al presente. Sería divertido ver a más hombres caminando por la calle con zapatos de dos tonos”.

Gosling quedó sorprendido con lo que creó Zophres. “Si es que hay un Monte Rushmore de los diseñadores de vestuario, Mary Zophres está sobre el” dice Gosling”. Es realmente una de las mejores diseñadores de vestuario que existen, y su vestuario realmente me ayudó a caminar esa línea entre los 1940s y la sensibilidad contemporánea”.

Para los grandes números de baile, Zophres se concentró no solamente en la forma sino también en función extrema, con ropa que se balanceara, diera vueltas y se viera todavía más hermosa entre bailes que casi emprenden el vuelo. “Los vestuarios de Mary hacen eco a la sensibilidad amplificada que se transmite en cada marco de la película” dice Marc Platt. “Y la forma en la que se mueven sus vestuarios solamente acentúa la belleza de la película aún más”.

Jordan Horowitz se sintió agradecido de cómo se unificaba todo el cuerpo de la película para lograr la proeza de hacer un musical moderno. “Hubo muchas grandes colaboraciones en esta película y creo que lo que la hizo inusual es que todos se sintieron muy apasionados con su propio trabajo pero también por crear la visión de Damien igual de alegre como él la creó”. Agrega Fred Berger: “El resultado es una experiencia tan visceral que realmente se presente así en la pantalla grande, y poder ir y divertirse al verla. Los personajes son auténticos pero también es un espectáculo visual desde principio a fin”.

Para Platt, cada elemento tan cuidadosamente diseñado de La La Land - desde el diálogo a las canciones, actuaciones, fotografía y los más pequeños detalles de los sets y vestuarios- se sincroniza para crear algo que, como el romance, se siente misteriosamente más como la suma de sus partes.

“La La Land es una experiencia cinemática en sí misma. Es deslumbrante pero también íntima. Es enorme pero también romántica. Es alegre y melancólica. Baila y canta. Y pinta un retrato del amor y de la ciudad de Los Angeles que nunca antes has visto. Finalmente, te transporta hacia un sentimiento de tipo diferente de lo que estás acostumbrado a tener en el cine” concluye Platt.

Chazelle espera que uno de los sentimientos que evoca la película sea la pasión, ya que está fue la raíz en su intricada creación. “Yo creo que La La Land trata sobre pasión- sobre pasión por el arte y pasión por el amor y con suerte, la pasión con la que nos aproximamos a la película, con la que la escribimos, con la que compusimos la música y con la que la presentamos, sea algo que puedas sentir”.

Los Angeles de La La Land: el Diseño de Producción

enero 11, 2017
La La Land no es solamente una historia de amor humano. También es una oda a la ciudad de Los Angeles y sus interminables ciclos de riesgos artísticos que llevan a la desilusión que lleva a más riesgos artísticos. Así fue como la ambiciosa producción promociona el aliento de la ciudad en estos 40 días de producción.

El elenco y el equipo de producción hicieron paradas en locaciones tan legendarias como el Parque Observatorio Griffith, así como gemas escondidas como el histórico Café del Faro de Redondo Beach, un club de jazz desde 1949. Todo esto fue supervisado por el diseñador del equipo de producción, David Wasco y la decoradora de set Sandy Reynolds-Wasco, cuya extraordinaria lista de películas incluyen pizas de tan alto estilo como Reservoir Dos, Pulp Fiction, Rushmore, The Royal Tennenbaums, Kill Bill Vol.1 y 2, Collateral y Inglorious Basterds.

Dibujaron a partir de su propia fascinación ardiente por una ciudad que es frecuentemente calumniada pero también es la meca de un soñador. “Hemos tenido oportunidades de mostrar la ciudad tanto con luz como en la obscuridad” dice David Wasco. “pero esta era una oportunidad de ver a la ciudad nuevamente con un director visualmente inventivo. Conocemos el territorio aquí, así que fue una oportunidad de usar lugares que no se han visto antes” Agrega Sandy Reynolds-Wasco: “También disfrutamos la idea de que esta película es la primera visión musical real de Los Angeles en décadas”.



Para permanecer fieles al tono de la película, las locaciones cambian entre el momento actual y remanentes de eras pasadas. “Esa cualidad ya es nativa de la ciudad” nota David Wasco. “Puedes ver en una dirección y sentir que estás en el Hollywood de 1940, y después girar de nuevo y estás en el 2106. Fue la noción de Damien capitalizar la atemporalidad inherente de la ciudad”.

Chazelle también quería transmitir la atmósfera de intriga de la ciudad en la película. “Los Angeles es como el perfecto personaje de película porque está lleno tanto de optimismo como de sueños rotos” comenta Sandy Reynolds-Wasco.

También está lleno de historia de la cultura pop, una realidad cercana a la travesía de Sebastian y Mia desde la muestra de Rebelde sin Causa en el histórico Teatro Rialto hasta el Parque del Observatorio Griffith en donde se lleva a cabo la acción climática de Rebelde. La oportunidad de utilizar las locaciones legendarias fue muy emocionante para todos- pero los Wasco fueron más allá, utilizando no solamente los exteriores reales sino que también recreando el interior del planetario como una fantasía de Art Deco para el número de baile en el que Sebastian y Mia bailan vals a través de los dioramas.

Para el set, incluso hasta recrearon el viejo proyector original del planetario, ahora remplazado por una encarnación más moderna. “Encontramos uno usado que pudimos rentar, así que tenemos el proyector real del planetario en una mesa giratoria” dice David Wasco. “Era un set muy interesante”.


Un lugar un poco menos maleable fue en el entrecruce entre las autopistas 110 y 105 frente al centro, en donde se lleva a cabo el primer número de baile. “Es muy inusual hacer un número de baile tipo Busby Berkeley en la autopista de Los Angeles” musitva David. “Así que lo que hicimos fue crear un espacio en el estacionamiento de nuestro estudio lleno de falsos divisores de autopista y autos para que Damien, Mandy y el elenco pudieran ensayar. Y después tuvimos una ventana de tiempo muy breve cuando la Patrulla de la Autopista de California pudo cerrar la autopista y pudimos filmar un número de baile muy, muy complicado. De alguna manera, todo resultó al final como por arte de magia”.

Fueron los Wasco quienes presentaron la idea de que Sebastian manejaría un Buick Riviera convertible de los años 1980’s- un auto que se reconoce al instante y se vuelve su propio personaje. También rodearon a Sebastian con fotos de íconos del jazz, mientras que Mia vive junto a una exuberante foto de su heroína Ingmar Bergman. Todo el tiempo, hacen referencia a películas que los cinéfilos podrán reconocer, pero también citan las influencias de pintores como Ed Ruscha y David Hockney, quienes exploran las mitologías de Los Angeles, y el pintor francés Raoul Dufy, conocido por sus eufóricas pinceladas de color.

Los sets se vuelven aún más inventivos hacia el final de la película, especialmente en el número conocido como “Epílogo”. “Para ese número, Damien quería ir a este extremadamente intensificado mundo de fantasía de Los Angeles y París en el plató exterior de un estudio. Ese fue totalmente creado con telones de fondo pintados así que el look es muy, muy teatral” explica David. “Es una escena tan importante, estuvimos trabajando en ella desde el principio de la pre-producción hasta el día en el que la filmamos”.

Los Angeles bien puede ser la ciudad en la que muchas películas inician, pero puede ser todo un desafío cinematográficamente. Chazelle estaba muy emocionado de ver la ciudad imbuida con una nueva perspectiva. “Muchos lugares que encontramos yo nunca los había visto antes” dice Chazelle. “He vivido en Los Angeles por nueve años, y una de las cosas que adoro es que constantemente hay nuevos lugares por descubrir. Eso agregó más a la historia”.

Luz, Color, Acción: Linus Sandgren fotografiando La Ciudad de las Estrellas

enero 11, 2017
El look de La La Land comenzó con los grandes musicales de antaño con su anamórfica Cinemascope de pantalla ancha y exuberantes colores que casi se podían probar. Pero entonces comenzó la verdadera diversión, conforme el concepto se transformó a través de las sensibilidades y equipamientos del siglo 21. Damien Chazelle tenía el look en su mente, pero sabía que sorprendería a las personas.

“Whiplash se trató sobre todo de edición puntuada, reflejar el tempo y ritmo de la batería. La La Land es el opuesto polar. Whiplash es una película sobre los ángulos correctos. La La Land se trata más que nada de curvas”, explica Chazelle. “El modelo que tenía en mente era Max Ophuls, el maestro del movimiento en cámara de la historia del cine. Todos deseamos poder mover nuestra cámara como Ophuls, y claro, Ophuls lo hizo antes del Steadicam, pero la idea es tener una cámara que, ella misma, se sienta melódica, se sienta como una bailarina, que nunca se interponga en el camino del baile en pantalla sino que se vuelva parte de la coreografía”.

El trabajo de cámara expresionista en la película de Martin Scorsese, Raging Bull, también fue una influencia. “Raging Bull hizo la pregunta: ¿qué es lo que pasa cuando pones la cámara dentro del ring de boxeo? De esa misma manera, yo quería poner la cámara en el baile, para que sientas que se despliega alrededor tuyo” dice.



Para hacer esto, Chazelle colaboró con concentración junto al director de fotografía Linus Sandgren, conocido por su trabajo en las películas de David O. Russell, American Hustle y Joy. Aunque Sandgren utilizaba lentes anamórficos y película de 35mm para proveer una conexión con el pasado creativo, también llevó la dirección de fotografía a nuestra era tecnológica.

“La cámara tenía que tener una energía muy específica en esta película- una cámara increíblemente energética- y sabíamos que Linus tenía las habilidades para hacer eso” dice Jordan Horowitz.

“Nunca he visto a alguien más motivado que Linus para lograr algo que pudiera parecer imposible para la mayoría” dice Fred Berger. “Nos terminamos como 100 rollos de Steadicam en ocho días, algo que creo que no tiene precedentes. Y entre más difícil era la toma, Linus se volvía mejor”.

La relación creativa entre Chazelle y Sandgren dejó una fuerte impresión. “A Damien le gusta dibujar en la historia del cine sin nunca ser poco original” dice Berger. “Él y Linus tuvieron el matrimonio perfecto en el que constantemente se estaban diciendo: ¿cómo podemos llevar esta idea lo más lejos que se pueda? Por esa razón llegaron a un lugar que no hemos visto antes”.

Chazelle dice a Sandgren. “Linus fue el director de Fotografía correcto para esto porque no solamente estaba dispuesto a subirse al barco, sino que además quería que la travesía fuera más loca de lo que habíamos imaginado. Él tiene esa energía infantil que me parece asombrosa. Es como un niño en una tienda de dulces viendo todas las posibilidades del cine”.

Sandgren se sintió atraído al detalle de la visión de Chazelle, que había delineado por completo antes de que comenzara la pre-producción. “Cuando Damien presentó sus ideas de cómo filmar la película, era tan exagerada con relación a tu típica película que era muy intrigante por la misma razón” dice Sandgren. “Él quería hacer una película antigua de una forma muy moderna en donde la cámara es más fluida. Sus ideas estéticas eran tan hermosas, que solamente hasta después se me ocurrió que había muchos desafíos técnicos”.

Esos desafíos resultaron ser constantes. Por una parte, filmar en una película anamórfica de 35mm significaba que la película tenía que ser recargada cada diez minutos. Además de eso, Chazelle quería filmar los números de gran producción en una sola toma, de lo que Sandgren llama “realidad imperturbable”.

“Eso siempre es un gran desafío, especialmente si quieres hacerlo en la luz perfecta” explica Sandgren. “Damien no quería agregar efectos después, quería que todo sucediera en la cámara. La magia en esta película nunca es fingida- todo tenía que estar pasando de verdad. Pero yo siempre veo las cosas como posibles por lograr; simplemente tienes que encontrar la solución. En este caso, tomo mucha, mucha planeación”.

La composición pictórica también fue demandante. “Damien realmente quería que la película fuera muy anamórfica. Actualmente, películas de alcance son usualmente filmadas en 2.40 a 1” observa Sandgren de los aspectos estándares de proporción. “Pero estábamos pensando que sería interesante filmar en 2.52 a 1 para dar a La La Land el alcance extra de esas películas viejas. Hablé con Panavision sobre esto, y modificaron algunas lentes para que cupieran. Tuvieron que construir nuevas lentes para nosotros pero pienso que realmente ayuda a agregar algo al espíritu de la película”.

Sandgren también jugó con un desfile de luces de colores para resaltar la paleta de azules, verdes y rosas fríos de la película. Chazelle era especialmente efusivo sobre el hecho de querer que las escenas nocturnas fueran iluminadas con sus propios cielos nocturnos encantados. Y en cuanto a la cámara en los números de baile, Sandgren canalizó a su coreógrafo interno. “Es importante que parezca que de cierto modo la cámara también está bailando” dice. “Al mismo tiempo, no quieres que las personas se den cuenta así que realmente tenía que fluir junto con la coreografía. Cada número tenía sus propios desafíos y a menudo sentíamos que no lo íbamos a lograr. Tantas cosas debían salir bien en el momento”.

Bailando Vals en Cables: la Coreografía de Mandy Moore

enero 11, 2017
Las canciones para La La Land inspiraron una serie de números de producción súper cargados que se entretejen sin esfuerzo en la tela de la historia. Damien Chazelle imaginó estos números como un eco del ingenio, la imaginación y la libertad de narrativa asociada con los musicales cinematográficos de mitades de Siglo- pero trayendo una energía y un ritmo que hablara a las audiencias que crecieron con iPhones y YouTube.

Con esa finalidad, colaboró muy de cerca con la coreógrafa Mandy Moore, dos veces ganadora del Premio Emmy, reconocida por su revolucionario trabajo convirtiendo el baile en un reality de suspenso para la televisión en “So You Think You Can Dance”. Moore, quien ha diseñado números para el escenario en conciertos y teatro así como videos musicales, también coreografió, Silver Linings Playbook de David O. Russell.

El productor Marc Platt observa que coreografiar para una cámara de cine es una forma de arte muy específica. “Es diferente que coreografías para el escenario- particularmente cuando la cámara se está moviendo con la energía y fluidez con la que lo hace en La La Land” dice Platt. “Requería de un coreógrafo que tuviera iniciativa entendiendo cómo se movieran los bailarines conforme a las cámaras de movieran”.



Moore estaba absolutamente emocionada de apuntar alto para las inusuales ambiciones de baile de la película. “Soy una nerd del teatro musical/estilo MGM/películas de baile” confiesa Moore. “Y el baile es mi vida-así que fue de gran inspiración ver lo lejos que Damien quería adentrarse en este mundo”.

Se sintió sorprendida del profundo conocimiento de Chazelle sobre el tema; los dos hablaron de la historia del baile en el cine por horas. “Desde el segundo en el que conocí a Damien, estaba haciendo referencias a escenas de baile de diferentes películas y yo pensaba, ‘No creo que ningún otro director sepa todo lo que él sabe’”.

Chazelle se sintió igualmente atraído por la mezcla de influencias de Moore. “Ella es realmente una estudiante de las formas del baile clásico, y eso es lo que necesitábamos, pero también necesitamos a alguien que pudiera crear un tipo de baile que no hubiéramos visto en el cine antes” dice. “Lo más importante es que la coreografía tenía que tratarse del personaje pero de igual manera del movimiento de

cuerpos. Siempre me pareció que debía haber un naturalismo real en el baile. Lo que le dije a Mandy fue que en esta película el baile, el canto y la actuación debían ser una sola cosa- no hay separación entre ellas. Realmente ayudó que fuera Mandy la que entrenara a Ryan y Emma así como la encargada de hacer la coreografía, porque al final, el baile realmente emanaba de cómo Ryan y Emma se relacionaban entre sí. El baile es una manera tan hermosa de contar la historia de dos personas enamorándose- de expresar las emociones y el escalofrío que se siente cuando conoces a alguien por primera vez que te deja sin aliento”.

Chazelle y Moore querían construir la coreografía en la misma estructura de la historia de una manera ultramoderna- para romper con esa cuarta pared que hace que las audiencias se sientan como espectadores pero sin irrumpir el flujo de ensueño de la historia. “Mis primeras conversaciones con Daniel fueron acerca de cómo queríamos que la audiencia se sintiera emocionalmente involucrada e inmersa en nuestros números” dice Moore. “Queríamos dar esa sensación de que Sebastian y Mia son personas reales quienes, sólo por un momento, trascienden los confines de la vida diaria”.

Pero el desafío fue más allá que eso. Moore continúa: “Yo sabía que Damien quería filmarla en el viejo estilo. Sin ediciones. Y yo me sentí cautivada por eso. Pero después llegó el momento de pensar, ‘oh Dios mío, ¿cómo vamos a hacer esto?’” ríe. “Te das cuenta que para crear algo mágico vas a tener que dar algunos saltos de locura y conquistar obstáculos y simplemente arriesgarte”.

Lograr estos números tan riesgosos exitosamente requirió de infinita planeación logística pero la raíz detrás de la planeación, comenta Moore, siempre fue: “¿Seguimos conservando el sentimiento?”

El sentimiento debía venir sobre todo de Gosling y de Stone, a quienes también se les pedía que aprendieran un complicado número de baile tras otro, a pesar de no ser bailarines entrenados profesionalmente. Moore decidió entrenarlos ella misma, en su propio salón de entrenamiento, para no dividir los aspectos creativos de la película y el entrenamiento. “Creo que por eso obtenemos esa magia de Ryan y de Emma” dice, “porque estábamos creando los movimientos conforme entrenaban y esos movimientos se volvieron orgánicos a sus personajes. Ambos trabajaron tan duro y yo estaba realmente impresionada de cómo llegaban todos los días tan llenos de energía. Parecían estar tan emocionados de tener esta oportunidad de bailar y fue hermoso”.

El número de apertura, “Tráfico”, en el que un embotellamiento en la autopista de Los Angeles se transforma en una línea de automóviles en coro, presentó algunos de los dilemas más grandes. “Fue una cantidad tremenda de trabajo” dice Moore. “Nuestra oficina estaba llena de notas post-it con el nombre de la marca de cada auto y quién estaba parado en cada auto y cuáles autos necesitaban ser reforzados. La logística fue masiva”. Mientras tanto, la toma debía hacerse sin ninguna falla ya que el equipo tenía una osada ventana de tiempo límite para utilizar la autopista... lo que significaba ensayo, ensayo, ensayo. Ryan Gosling recuerda: “Todo debía ser lo más perfecto posible una vez que empezaban a rodar las cámaras, porque un mal paso era básicamente inaceptable. Así que practicamos por tres meses previos para poder entregarle a Damien lo que estaba buscando en una toma”.

Moore da crédito a los bailarines por lograr lo casi-imposible. “Los bailarines de ‘Tráfico’ son los héroes incógnitos de esta película, porque teníamos muy duras condiciones- bailar sobre autos en la autopista con un clima de casi 38 grados centígrados! Sus esfuerzos crearon algo mágico” dice.

Otra secuencia que dejó atónita la mente coreográfica de Moore es ‘Alguien en la Multitud’, el número que sigue la travesía de Mia cuando va a una fiesta típica de Los Angeles desde que se está arreglando con sus roomates a pasear por una moderna casa de cristal, hasta aventarse a la alberca. “Fue una locura de noche cuando filmamos ese número” refleja Moore. “Espero que las personas puedan ver todo lo que se invirtió en él. Se sintió como una locura pero cuando vi los metrajes sin editar era absolutamente asombroso: los colores, cámara, vestuarios y el baile se ven increíbles juntos”.

Chazelle había concebido el número como plantear los dilemas de los jóvenes artistas a lo largo de Hollywood entre sus vidas sociales y sus trabajos. “Habla de un debate simple que muchos aspirantes a artistas tienen con ellos mismos: ¿vas a esta fiesta, o te quedas en casa y trabajas en tus habilidades? Pero también habla de algo más grande: ¿qué estás dispuesto a hacer por tu sueño? ¿Estás dispuesto a hacer concesiones? ¿Estás dispuesto a venderte? ¿Estás dispuesto a cambiar lo que eres? ‘Alguien en la multitud’ habla de esa idea y muestra la duda de Mia con respeta a toda esta situación”.

Para Moore, el corazón de la película es el número del planetario, para el que ella creó lo que llama un baile “sin gravedad” con Gosling y Stome bailando vals en cables. “Queríamos que la audiencia sintiera a Sebastian y a Mia caer en este hermoso vals porque no tienen otra posibilidad más que bailar en ese momento” dice. “Hay un hermoso trabajo de cámaras en la secuencia y tiene tanto sentimiento”.

Uno de los números favoritos de Emma Stone es “Dueto”, que se convierte en la búsqueda de un auto estacionado a un número en lo más alto de la colina viendo la ciudad. “Es en donde nuestros personajes se conectan por primera vez” dice Stone. Moore agrega: “Es un gran momento, así que lo discutimos mucho con Damien, Ryan y Emma para ver cómo se iba a realizar. Es una toma de aproximadamente seis minutos, y era importante también que se sintiera ese alegre momento en el que se enamoran”.

El gran número final de la película, “Epílogo” también fue el más largo, viajando de Los Angeles a un elegante París y de vuelta. “Epílogo es esta hermosa fantasía y el departamento de arte hizo un trabajo extraordinario con los sets que era muy inspirador” dice Moore. “Teníamos a 30 bailarines- y realmente tuvieron la oportunidad de bailar, lo cual fue muy emocionante. Además tienes a Ryan y a Emma en medio de todo eso, teniendo un último y brillante momento juntos, así que fue muy emocional”.

Las logísticas de estos tan complicados números musicales y la compleja interacción entre música y coreografía, así como la osada tarea de administrar el ensayo general y el calendario de filmación, fueron controlados por el supervisor de música Steve Gizicki, quien observa: “este ha sido probablemente el trabajo más difícil pero más gratificante que he hecho en mi vida”.